El avance de la tecnología también ha llegado al cine y por lo tanto su manera de mejorar su consuma ya que actualmente el cine es un negocio eso nadie lo puede negar, pero la fusión del cine con los videojuegos ha tenido sus buenas rachas y algunos errores que pueden costar caro.
La historia de los videojuegos no es nueva pero tampoco tan vieja como la publicidad y el cine,pero el concepto de mercadotecnia siempre busca fusionar ideas, conceptos, tegnología para el propósito general artístico (vender). Las artes audiovisuales han ido creciendo aceleradamente gracias a los avances informáticos que obviamente repercute en el séptimo arte.
Píxeles,un claro ejemplo de como se puede mezclar los videojuegos retro con la acción,fantasía sin llegar a a ser bizarro.El cine no tiene límites,no hace falta hablar mucho de esto.
Bueno,las competencias entre las consolas y títulos de videojuegos siempre a estado muy reñida gracias al los constantes esfuerzos que hacen por mejorar la experiencia al usuario además de las inmensas categorías que existen como deportivos,ciencia ficción, fantasía, animación entre otras, eso ha llevado a ampliarse para poder llegar a más usuarios de todo tipo en pocas palabras abarcar más terreno sea cual fuere el método que se deba usar.
A veces el cine y los videojuegos pueden dar una mala jugada si no se hacen bien.
La historia del cine empezó con un fin experimental y después artístico, pero a través de los años fue ganando una popularidad inmensa,eso hizo que diferentes empresas pusieran el ojo en el crecimiento acelerado del cine. ¿Entonces como se podría hacer publicidad a partir del cine? La respuesta es fácil por medio su misma popularidad en pocas palabras,que aparezcan los productos y marcas llevadas a conocer en medio que tiene un nivel de audiencia,además de eso generar una idea que no se tenía.; Para eso existen estudios de publicidad que estudian ramas como la psicólogia,que evalúa el comportamiento humano en diferentes situaciones para ser más claro usar el conocimiento científico para vender más una marca.
¿Cuáles son los puntos más importantes de una película? O el motivo que una persona vería una ? Depende el género y al público que va enfocado,aquí el chiste es que un punto fuerte de la producción cinematográfico sea aprovechado para introducir ahí una idea clara o indirecta de una marca comercial y esa potencia de atracción haga disparar una eso a gran escala,eso provoca a muchos espectadores el sentimiento o preferencia por el anunciante ya que lo está viendo convivir con su película favorita.
Durante mucho tiempo se ha visto inmurables marcas en el sector de la pantalla grande y la marca de Coca Cola no sería la excepción,desde encontrarse en cada aspecto social de la vida y múltiples películas en las cuál ha tenido una aparición justamente perfecta para ser motivo atención.
Es fácil reconocer un producto a la hora de ver nuestras peliculas favoritas ya sea indirectamente es demuestra la consecuencia en el que ha existido todo un proceso publicitario que abarca años de investigación e inversión financiera para poder poder llegar a en el consiente colectivo.
Las características de coca cola se han ganado un lugar importante en la sociedad y durante décadas ha sabido manifestar perfectamente en su campaña de publicidad su identidad como marca y una de ellas fue carácter familiar,feliz y enérgico,esto ha formado una imagen mental en el colectivo social que se crea a partir de los diferentes medios de comunicación ; es algo de lo más importante de una marca ya que los estudios de mercadotecnia siempre deben proporcionar una identidad a una marca.
«No solo el sabor y la calidad de un producto es el que gana el aprecio de los consumidores sino más bien la publicidad que se le ha dado a una marca para que sea familiar en la cultura de una sociedad»
Desde hace algunos días, y ante las restricciones impuestas ante el brote de coronavirus COVID-19, algunos estados de la República Mexicana anunciaron el cierre de las salas de cine al ser puntos de riesgo por posibles contagios. Cadenas como Cinemex tomaron medidas preventivas al poner su salas al 50%. Sin embargo, ahora que estamos en Fase II en México, es necesario tomar acciones más drásticas.
Cinépolis y Cinemex anunciaron que a partir de hoy cerrarán todas sus salas en México, de forma general y temporal. Estamos hablando de que entre las dos cadenas suman más de 6,000 salas en todo el país que dejarán de operar. Ahora mismo la prioridad es detener los contagios y «aplanar la curva», para así no saturar los servicios de salud y contener la pandemia en lo que se encuentra un tratamiento eficaz contra el COVID-19. Cinépolis aclaró que este cierre temporal no contempla ‘ningún ajuste de personal’, y aquellos que aún tienen boletos para fechas posteriores podrán comunicarse al teléfono 5521226060 o al correo electrónico aac@cinepolis.com, donde podrán solicitar un reembolso al 100% o boletos para futuras funciones.
En el caso de Cinemex no mencionan nada acerca de la situación de sus empleados, pero sí destacan que donarán todos sus alimentos perecederos a los 55 Bancos de Alimentos alrededor del país. De igual forma, quienes tengan aún boletos podrán comunicarse al correo electrónico buzon@cinemex.net, donde les darán una solución.
La industria del cine se vuelve cada vez más competitiva con el surgimiento de nuevos actores como Netflix que producen su propio contenido y ya no necesitan pasar por las tradicionales productoras. Ante este panorama y para optimizar al máximo la toma de decisiones acerca de qué películas vale la pena apoyar y cuáles no, Warner Bros. ha anunciado que comenzará a utilizar Inteligencia Artificial para mejorar este proceso.
La compañía ha firmado un acuerdo Cinelytic, un sistema que combina Inteligencia Artificial y tecnologías basadas en la nube proporcionar datos integrales, análisis predictivos y herramientas de gestión de proyectos en una única plataforma.
Esta modalidad permite a los profesionales de la industria del entretenimiento tomar decisiones más rápidas y más acertadas, teniendo en cuenta los gustos del público potencial y las posibilidades de éxito de los proyectos.
Aunque será el ser humano el encargado de tomar la decisión final, la plataforma puede calcular el valor de una estrella de cine en distintos mercados y cuál será la recaudación en cines y otras emisiones.
Las dos grandes baluartes del cine “independiente” americano, The Weinstein Company y Fox Searchlight Pictures, están en el punto de mira. Miramax sufrió la salida de los hermanos Weinstein en 2005, que quisieron fundar una nueva compañía lejos del control de Disney, The Weinstein Company. Con ellos se fueron, entre otros, Woody Allen, Quentin Tarantino, Paul Thomas Anderson, Kevin Smith y Michael Moore. Consiguieron el Oscar a Mejor Película en 2010 (El discurso del Rey, Tom Hooper) y en 2011 (The Artist, Michel Hazanavicius), gracias a las agresivas campañas publicitarias de Harvey Weinstein.
También gracias a él (y a sus escándalos por abusos sexuales), la compañía terminó desapareciendo en 2018, siendo vendida a un fondo de inversión de Dallas. Fox Searchlight Pictures, a la que se denomina siempre como productora de cine independiente a pesar de ser propiedad (como su nombre indica) de Fox, ahora pertenece a Disney. Y nadie sabe qué va a hacer Disney con Fox. Fox Searchlight ha producido y/o distribuído en la última década películas de directores de renombre como Wes Anderson, Terrence Malick, Darren Aronofsky, Alexander Payne, Steve McQueen, Park Chan-wook, Alejandro G. Iñárritu o Pablo Larraín, además de ganar el Oscar a Mejor Película en 3 ocasiones, siendo la última en 2018 gracias a La forma del agua (Guillermo del Toro). Ahora, su futuro está en el aire. Todos estos nombres no tendrán problema en buscar un nuevo hogar si fuera necesario.
Productoras no les faltarán. Además de los grandes estudios y de las plataformas de streaming, seguro que en Annapurna Pictures, Plan B Entertainment o Focus Features (por decir algunas) les recibirían con los brazos abiertos. Pero hay una nueva productora, de apenas 6 años de vida, que les está adelantando por la derecha con un equilibrio perfecto entre talentos nuevos y consagrados. A24 nació en Agosto de 2012, fundada por Daniel Katz, David Fenkel y John Hodges.
El nombre viene de la “auto estrada 24”, una carretera italiana por la que Katz conducía hacia Roma cuando le vino la inspiración. La empresa de producción y distribución, que no tiene su sede en Hollywood sino en Nueva York, debutó financiando parte del presupuestonde A Glimpse Inside the Mind of Charles Swan III (Roman Coppola, 2013), pero fue pocos meses después cuando encontró su primer “bombazo”, distribuyendo Spring Breakers de Harmony Korine. Según declaraciones de Katz al Wall Street Journal, lo primero que se preguntan ante un nuevo proyecto es “Is this cool?“. Y Spring Breakers vaya si lo es, o si no mirad esta escena. Adolescentes del Disney Channel con pasamontañas rosas y metralletas de colores chillones. James Franco con dientes de oro y rastas tocando al piano una de Britney Spears. ¿Cómo no va a ser esto cool?
Spring Breakers supuso también la primera toma de contacto de A24 con la Academia. Medio en broma medio en serio, promovieron una campaña para la nominación de James Franco con el reclamo “Consider this shit“. 4 años después Moonlight (Barry Jenkins, 2016), la primera producción original de A24, ganaba el Oscar a Mejor Película. Por el camino (y posteriormente), filmes de Sofia Coppola, Johnathan Glazer, Dennis Villeneuve, Atom Egoyan, Claire Denis, Kevin Smith, Noah Baumbach, Yorgos Lanthimos, Gus Van Sant, Paul Schrader y Gaspar Noé. Pero no solo eso. Si por algo está destacando A24 es por la cantera de jóvenes directores/as que está creando al dar la alternativa a talentos como Greta Gerwig, Jonah Hill, Robert Eggers, Ari Aster, Alex Garland o los “Daniels” (Daniel Kwan y Daniel Scheinert). Este verano, las carteleras españolas reciben a 3 de ellos: Hill (En los 90), Lee Cronin (Bosque Maldito) y Aster (Midsommar), una buena muestra de la fuerza actual de la compañía.
¿Su siguiente reto? La televisión. HBO acaba de estrenar su coproducción Euphoria (Sam Levinson), con Zendaya como protagonista. Cuenta con un 8 de media en IMDb y un 79% de valoraciones positivas en RottenTomatoes. Se ha convertido en uno de los fenómenos del verano y ya ha sido renovada por una segunda temporada.
Según estadísticas de la Cámara Nacional de la Industria de Transformación (Canacintra) México ocupa el cuarto lugar mundial en los delitos de piratería y contrabando y el primer sitio en América Latina, de igual forma la piratería cuesta el 1.25% del PIB, y además constituye hoy en día el segundo delito más preocupante en el país después del narcotráfico.
La OMC, define a la Piratería, como la “Reproducción no autorizada de materiales protegidos por derechos de propiedad intelectual (como derechos de autor, marcas de fábrica o de comercio, patentes, indicaciones geográficas, etc.) hecha con fines comerciales, y comercio no autorizado de los materiales reproducidos.”
Según investigaciones de la UNESCO, la piratería puede ocasionar daños severos a la economía de un país, como son: Impacto fiscal generado por la evasión fiscal al venderse los productos dentro de un mercado no regulado; Disminución de empleos formales con prestaciones legales proporcionados por el sector formal; Desánimo de los empresarios extranjeros para traer inversión al país. Temor de mostrar nuevas creaciones de propiedad intelectual, resultando en la falta de intención de protección. Pérdidas económicas a las empresas formales. Fractura la innovación y la investigación Crea una economía paralela que daña las finanzas públicas y por ende la disponibilidad de recursos para el desarrollo Pero, ¿qué ocasiona la piratería? Estudios han demostrado que en la mayoría de los países con alto índice en este delito, como México, su fuente principal radica en problemas sociales, culturales y económicos, como lo son, los elevados precios de l os productos, bajos ingresos económicos del sector trabajador, carencia de un estigma social negativo que sensibilizaría al público sobre el hecho de que se trata de una actividad delictiva, la falsa idea de que comprar piratería es “como acceder” a la obra original a bajo costo, la falta de aplicación de la ley y por supuesto la elevada ganancia que los productores, distribuidores y vendedores de piratería adquieren, ya que prácticamente no cubren ningún gasto comparable a los de la producción de bienes de propiedad intelectual originales.
En estadísticas realizadas en México, basadas en entrevistas a consumidores, vendedores, distribuidores y productores de piratería, es penoso notar que solo un bajo porcentaje de la población manifestó inquietud ante la posibilidad de que la piratería fuera un foco productivo de corrupción, contrario sensu, la mayoría de los encuestados indicaron que sabían que la venta y adquisición de bienes piratas es ilegal, justificando sus acciones en la necesidad económica y la falta de oportunidades.
La piratería, es una práctica desleal de competencia económica, que ha provocado que en la economía de muchos países, entre ellos México, empresarios, productores, y titulares de propiedad intelectual se vean afectados, pues a pesar de ser ilegal, los consumidores persisten en consumir estos productos, ya que, a mi parecer, los estratos sociales en los que buscan ser aceptados, requieren adquirir cierto tipo de bienes que son inalcanzables en circunstancias regulares.
Pese a que a nivel internacional, México ha firmado múltiples tratados, actas y convenios con el propósito de erradicar la piratería, es triste darse cuenta de que la población no está concientizada de que este delito, propicia más ilícitos como la corrupción, cohecho, secuestro y extorsión, entre otros, y que lejos de beneficiar perjudican a todo el País.
Independientemente de los medios que existen para regular los derechos de propiedad intelectual, (que son muy poco conocidos y explotados) se deberían realizar adecuaciones a la legislación especial en la materia, lo cual permitiría reconocer y prever las conductas violatorias, poniendo al alcance de autores y titulares las herramientas eficaces en la defensa de sus derechos; de igual forma, elevar las penas y sanciones en la tipificación de los delitos, así como que el Estado desarrolle campañas públicas de concientización y que desde el nivel básico se enseñen los valores y respeto por las obras de propiedad intelectual, manifestando que su violación es delito grave y de un riesgo latente que nos afecta, creando desempleo, falta de desarrollo empresarial, desánimo de la inversión en el País y por ende cero crecimiento.
El cine es una pantalla, la más importante ya que si revisamos bien la historia fue la primera en aparecer; de ella se extienden todas las demás pantallas, tanto contemporáneas como postmodernas. El cine es un arte que no se puede coleccionar ni apreciar de primera mano (como una pintura, escultura o arquitectura). De acuerdo con los movimientos industriales dentro del cine mundial actual, después de la exposición de una película en salas de cines, esta sale de cartelera para posteriormente ser comercializada como un producto más (cuyo objetivo es entretener) en formato DVD, Blu-Ray e incluso por medio de plataformas digitales (con ayuda de otras pantallas variantes del cine), y si bien estos productos pueden ser “coleccionables” para apreciarlos tienen que pasar por un “ritual” (distinto al que se vive en la sala de cine) y también por el mecanismo del reproductor. A final de cuentas el DVD o el Blu-Ray no es eterno, y de acuerdo con las estrategias digitales, las películas en ese terreno son más una renta que una compra, el cine es parte de la industria de programas. Girard (1982) nos comparte que “…la exportación y la importación de los productos de las industrias culturales afectan no solamente a una nueva intelectualidad muy amplia sino a toda la juventud gracias al disco” (p.35).
No obstante, esto no tiene en lo absoluto algo negativo, el cine se puede reproducir gracias a los espacios digitales dentro de las pantallas variantes actuales, lo que ocasiona que más contenido llegue a los espectadores, contenido que no llega en formatos físicos (DVD o Blu-Ray) y que ni siquiera es expuesto en alguna sala de cine.
Algo que se deja pasar siempre que se habla de industrias culturales es que estas tienen un carácter internacional. Sería desconcertante no pensar en los aportes que una cultura deja a otra (y viceversa). En el caso del cine hay muchas obras de varios autores; desde estadounidenses a españoles y franceses, de nipones a coreanos y argentinos, de mexicanos a cubanos y canadienses, su manera de escribir, dirigir o fotografiar (o alguna otra disciplina dentro del mundo del cine) expresan ideas, teorías, sentimientos o incluso situaciones universales. No obstante, este tópico podría ser un tanto delicado ya que se debe tener presente que hay países que producen más contenido fílmico que otros, por consiguiente, estos podrían tener una influencia cultural sobre los países en desarrollo.
A posteriori de estos acontecimientos, las películas tenían poco metraje y seguían tratándose de situaciones cotidianas. No fue sino hasta comienzos del siglo XX que apareció una trama reconocible, y los primeros pioneros que lograron esto, fueron tres principalmente: Ferdinand Zecca, Charles Pathé y Georges Méliès.
Por parte del primer pionero, en 1901 dirige un corto llamado A la conquête de l’air, producido por Pathé Fréres, compañía del segundo pionero, Charles Pathé y su hermano. Por otra parte, no fue sino hasta 1902 que el mundo pudo presenciar el nacimiento de la ciencia ficción (fantasía) en el cine, gracias a Georges Méliès: Le voyage dans la lune. En este punto, el mago proveniente de Paris, Francia, se hacia un hueco en el aun inmaduro mundo del cine.
Georges Méliès y «Le voyage dans la lune»
Como se deduce, todo esto ocurrió en Europa, ¿Qué hay de Estados Unidos? Pues, en el año de 1903 Edwin S. Porter llegaba con “The great robery train” experimentando ya con el montaje paralelo.
No obstante, los primeros años del cine se conocen como cine primitivo. Todo esto cambiocuando llegó un hombre oriundo de Crestwood, Kentucky, Estados Unidos. David Wark Griffith fue un cineasta que en 1910 dirige “In old California” la primera película filmada en Hollywood. Griffith fue alguien que aportó mucho al cine, principalmente en los encuadres, narrativa visual y por supuesto, montaje. Pero estos aportes se verían mayormente desarrollados en obras como “Birth of a nation” de 1915 (iniciando la época clásica del cine) y, por supuesto “Intolerance” de 1916.
“El cinematógrafo, aunque con un desarrollo de pocos años, tiene un alcance sin limites y sus posibilidades no tienen fin. El mundo entero es su escenario y el tiempo sin fin sus límites.”
– David Wark Griffith
Cinematografo
Se tiene que retroceder hacia 1911, año en el que un periodista escribe un ensayo que cambia por completo la manera de ver el cine (claro, en aquella época): El manifiesto de las siete artes, de Ricciotto Canudo.
Lo que nos explica Canudo (1911) es la unión de los dos artes y sus cuatro complementarias en un círculo que se cierra en el cinematógrafo. El arte está en el movimiento.
“Finalmente, el «círculo en movimiento» de la estética se cierra hoy triunfalmente en esta fusión total de las artes que se llama «Cinematógrafo». Si tomamos a la elipsis como imagen perfecta de la vida, o sea, del movimiento — del movimiento de nuestra esfera achatada por los polos —, y la proyectamos sobre el plano horizontal del papel, el arte, todo el arte, aparece claramente ante nosotros.”
Ricciotto Canudo (1911).
Lo que se puede leer de este ensayo es la manera tan precisa y armónica en la que todo encaja: La arquitectura nace de la necesidad humana de protegerse y esta es al espacio, así como la música es al tiempo, la organización de los ritmos que rigen la naturaleza.
Ricciotto Canudo (1911) habla con arte del arte, habla del “Olvido estético”; esto quiere decir, llegar a un disfrute de la vida superior a la vida misma, de una personalidad múltiple que cada uno puede crearse al margen y por encima de la propia.
A pesar de los pensamientos actuales que se tienen del cine, en el instante que el cinematógrafo salió, se tenía otra perspectiva, como lo mencionan sus propios creadores; Auguste Lumiere: “Mi invención, (la cámara de cine), se puede explotar… como una curiosidad científica, pero aparte de eso, no tiene valor comercial alguno.” Y Louis Lumiere, al final de su vida: “…Mis trabajos fueron de investigación técnica. Jamás hice lo que se llama ´puesta en escena´”
Estos pensamientos se pueden relacionar con la parte científica del cine, el documentalismo, y esto toma fuerza ya que las primeras películas (L’arrivée d’un train à La Ciotat y La Sortie des usines Lumière) son sucesos de la vida cotidiana, entonces ¿Qué fue lo que llevó al cine a evolucionar como un arte?
El cine es genuinamente un invento del siglo XIX, de acuerdo con Vicente J. Benet (2004): “El cine es una creación técnica y de la vida moderna con las características trípticos de los aparatos de la revolución industrial.” (p. 23)El cine convivió con la maquina de coser, el automóvil y por supuesto, con la locomotora.
Sin embargo, según Vicente J. Benet (2004), el cine no fue una creación que nació, así como así. Esto fue gracias a la obra de muchas personas; desde científicos a charlatanes de feria de Francia, Estados Unidos, Gran bretaña, Alemania, etcétera. Todos ellos fueron perfeccionando técnicas, mecanismos y aparatos que permitieron el perfecto encaje de las piezas.
Kinetoscopio
David Robinson no lo pudo expresar mejor:
“La imagen en movimiento tal y como la conocemos no fue nunca, en sentido estricto, ´inventada´. Ni siquiera se desarrolló a través de un proceso evolutivo normal. Más bien fue como el ensamblaje de un puzzle cuyas piezas iban siendo dadas internamente a lo largo de un periodo de tiempo muy largo. Las piezas del puzzle eran los elementos dispersos que en un momento dado deberían de combinarse para perfeccionar el dispositivo que produjera y proyectara fotografías animadas.” (Robinson, 1996, p.3)
Y así como hubo una colaboración de varias partes; desde Eadweard Muybridge con las ilustraciones del caballo galopando sobre el disco giratorio, Marey y su discípulo con el fusil fotográfico, y por supuesto a Thomas Alva Edison con su kinetoscopio (y posteriormente kinetofono), para llegar a la producción y proyección de imágenes en movimiento (el cinematógrafo), también hubo una unión de ideas y trabajos para que el cine tomara otro rumbo, algo distante a lo que August y Louis Lumiere tenían en mente.
EL TABLOIDE 