A pesar de los pensamientos actuales que se tienen del cine, en el instante que el cinematógrafo salió, se tenía otra perspectiva, como lo mencionan sus propios creadores; Auguste Lumiere: “Mi invención, (la cámara de cine), se puede explotar… como una curiosidad científica, pero aparte de eso, no tiene valor comercial alguno.” Y Louis Lumiere, al final de su vida: “…Mis trabajos fueron de investigación técnica. Jamás hice lo que se llama ´puesta en escena´”
Estos pensamientos se pueden relacionar con la parte científica del cine, el documentalismo, y esto toma fuerza ya que las primeras películas (L’arrivée d’un train à La Ciotat y La Sortie des usines Lumière) son sucesos de la vida cotidiana, entonces ¿Qué fue lo que llevó al cine a evolucionar como un arte?
El cine es genuinamente un invento del siglo XIX, de acuerdo con Vicente J. Benet (2004): “El cine es una creación técnica y de la vida moderna con las características trípticos de los aparatos de la revolución industrial.” (p. 23)El cine convivió con la maquina de coser, el automóvil y por supuesto, con la locomotora.
Sin embargo, según Vicente J. Benet (2004), el cine no fue una creación que nació, así como así. Esto fue gracias a la obra de muchas personas; desde científicos a charlatanes de feria de Francia, Estados Unidos, Gran bretaña, Alemania, etcétera. Todos ellos fueron perfeccionando técnicas, mecanismos y aparatos que permitieron el perfecto encaje de las piezas.
Kinetoscopio
David Robinson no lo pudo expresar mejor:
“La imagen en movimiento tal y como la conocemos no fue nunca, en sentido estricto, ´inventada´. Ni siquiera se desarrolló a través de un proceso evolutivo normal. Más bien fue como el ensamblaje de un puzzle cuyas piezas iban siendo dadas internamente a lo largo de un periodo de tiempo muy largo. Las piezas del puzzle eran los elementos dispersos que en un momento dado deberían de combinarse para perfeccionar el dispositivo que produjera y proyectara fotografías animadas.” (Robinson, 1996, p.3)
Y así como hubo una colaboración de varias partes; desde Eadweard Muybridge con las ilustraciones del caballo galopando sobre el disco giratorio, Marey y su discípulo con el fusil fotográfico, y por supuesto a Thomas Alva Edison con su kinetoscopio (y posteriormente kinetofono), para llegar a la producción y proyección de imágenes en movimiento (el cinematógrafo), también hubo una unión de ideas y trabajos para que el cine tomara otro rumbo, algo distante a lo que August y Louis Lumiere tenían en mente.
Durante el desarrollo de la fotografía, ya se comenzaba a aspirar a un invento que pudiera capturar momentos en movimiento.
En 1850, donde ya se podía apreciar los daguerrotipos y los talbotipos, las cámaras fotográficas (aun no manuales) fueron utilizadas para capturar imágenes con sujetos en movimiento, esto exitosamente. Había un interés por mostrar las calles desiertas y paisajes desdibujados de aquella época en movimiento. Alrededor de 1860 Cook y Bonneli, habían inventado un aparato que anunciaba “una revolución fotográfica… los arboles se inclinarán ante los caprichos del viento y sus hojas se agitarán y relucirán ante los rayos del sol”: El fotobioscopio.
Daguerrotipo
Con esto ya se sentía un entusiasmo por presentar capturas de lo cotidiano en movimiento, con el más mínimo detalle. Sir John Herschel anunciaba antes de la llegada de la fotografía instantánea, características básicas del cinematógrafo: “La animada y vivida reproducción, y la transmisión a la posteridad de cualquier acción colectiva de la vida real: Una batalla, una ceremonia solemne, un debate, una pelea de boxeo”
Se empieza hablando de fotografía, y eso es por que se sabe que el cine, en aquellos tiempos, siguió los senderos de la fotografía. La naturaleza de la fotografía vive en la del cine (Kracauer, 1996, pp. 49-50).
“EL DOBLAJE Y SU TRANSFORMACION EN TECNIA AUDITIVA”
La técnica del doblaje de animaciones o producciones cinematográficas ha pasado por una serie de cambios, con el paso de los años, hasta llegar al punto en que se encuentran hoy en día. En los inicios del doblaje, debido a que el material con el que se trabajaba para las mezclas era fotográfico y no digital como hoy en día, el método utilizado era realizar grabaciones de varias páginas de texto que debían ser memorizadas previamente. Para ello las escenas tenían que ser ensayadas antes de ser grabadas, tanto para lograr una buena sincronización con los movimientos labiales de los actores originales, como para mimetizar la interpretación de los mismos. Una problemática era que muchas veces la sincronización de los labios no era la correcta, problemática que aun hoy en día sigue ocurriendo la cual no está del todo garantizada. Menos en el idioma inglés , producciones que usualmente son originarias de Estados Unidos y que luego son dobladas al español, si se les presta la debida atención , aun hoy en día uno puede darse cuenta de la desincronización del movimiento de los labios con la oración que se está pronunciando. Con el paso de los años esta técnica se sustituyó por el actual sistema de doblaje por ritmos, en el cual el diálogo queda segmentado en pequeños fragmentos o takes que los actores graban leyendo de un atril tras haber memorizado el ritmo (especialmente las pausas) del diálogo original. Mientras que en México la técnica del doblaje se usó sobre todo para traducción de películas y dibujos animados. En otros países la técnica se usó para traducir telenovelas hasta para programas de cable. Cabe decir que la técnica se popularizo mucho, de ser una solución a un error técnico, se convirtió en el instrumentos que abría el camino, a la distribución de material audiovisual, –
-alrededor del mundo. Todos estaban adoptando esta técnica, países como Chile, Venezuela, Perú, costa rica, argentina, cuba y hasta el Salvador. Inclusive comunidades con un idioma difícil como lo son Cataluña, Valeares y Galicia, comenzaron a ser partes de este fenómeno global. El doblaje abrió una puerta la interculturalidad entre los países, compartiendo sus diferentes producciones. Siendo así las relaciones interculturales se emplean en el respeto a la diversidad y el enriquecimiento mutuo. Lo cual el doblaje promovió al ser más que una solución técnica, sino no, como ya se mencionó antes, un instrumento de comunicación intercultural, entre los países que antes era inaccesible, poder ser espectador de su contenido.
La técnica del doblaje de animaciones o producciones cinematográficas ha pasado por una serie de cambios, con el paso de los años, hasta llegar al punto en que se encuentran hoy en día. En los inicios del doblaje, debido a que el material con el que se trabajaba para las mezclas era fotográfico y no digital como hoy en día, el método utilizado era realizar grabaciones de varias páginas de texto que debían ser memorizadas previamente. Para ello las escenas tenían que ser ensayadas antes de ser grabadas, tanto para lograr una buena sincronización con los movimientos labiales de los actores originales, como para mimetizar la interpretación de los mismos. Una problemática era que muchas veces la sincronización de los labios no era la correcta, problemática que aun hoy en día sigue ocurriendo la cual no está del todo garantizada. Menos en el idioma inglés , producciones que usualmente son originarias de Estados Unidos y que luego son dobladas al español, si se les presta la debida atención , aun hoy en día uno puede darse cuenta de la desincronización del movimiento de los labios con la oración que se está pronunciando. Con el paso de los años esta técnica se sustituyó por el actual sistema de doblaje por ritmos, en el cual el diálogo queda segmentado en pequeños fragmentos o takes que los actores graban leyendo de un atril tras haber memorizado el ritmo (especialmente las pausas) del diálogo original. Mientras que en México la técnica del doblaje se usó sobre todo para traducción de películas y dibujos animados. En otros países la técnica se usó para traducir telenovelas hasta para programas de cable. Cabe decir que la técnica se popularizo mucho, de ser una solución a un error técnico, se convirtió en el instrumentos que abría el camino, a la distribución de material audiovisual, –
-alrededor del mundo. Todos estaban adoptando esta técnica, países como Chile, Venezuela, Perú, costa rica, argentina, cuba y hasta el Salvador. Inclusive comunidades con un idioma difícil como lo son Cataluña, Valeares y Galicia, comenzaron a ser partes de este fenómeno global. El doblaje abrió una puerta la interculturalidad entre los países, compartiendo sus diferentes producciones. Siendo así las relaciones interculturales se emplean en el respeto a la diversidad y el enriquecimiento mutuo. Lo cual el doblaje promovió al ser más que una solución técnica, sino no, como ya se mencionó antes, un instrumento de comunicación intercultural, entre los países que antes era inaccesible, poder ser espectador de su contenido.
En México el doblaje empezó en plena época dorada del cine mexicano, cuando Hollywood invertía dinero en el cine mexicano durante la Segunda guerra mundial. En 1938 Disney Pictures lanzó la primera película íntegramente en español, Blanca Nieves y los siete enanos, doblada en Estados Unidos. Debido a la variación de acentos, la compañía decidió buscar una opción de doblaje ubicada en Latinoamérica. Dumbo fue el primer film doblado íntegramente en Argentina por la empresa Argentina Sono Film. En 1942, la Metro Goldwyn Mayer mandó desde Nueva York al primer elenco de actores de doblaje a la Ciudad de México para doblar sus películas y los cortos de dibujos animados Tom y Jerry para toda América Latina. La mayoría de los actores del elenco provenían de la radio XEW-AM. También la mayoría de los doblajes de México, se hacían para todos los países hispanoparlantes del mundo, y no se separaba de España y América. Durante los años 1947 y 1948, comenzó una problemática entre productoras de otros países en contra del doblaje que actores mexicanos estaban realizando. Tanto fue el escándalo que los actores que ya habían sido contratados, tuvieron que regresar a México. El motivo fue que gobiernos de países como Argentina, vieron en el doblaje una competencia desleal para el cine local y el doblaje de películas fue prohibido. Sin embargo el doblaje en dibujos animados –
-continúo realizándose. El uso de la técnica del doblaje en México, llego más allá de solamente sincronizar diálogos o traducirlos. Si no que el doblaje hecho por mexicanos resulto muy atractivo. El tradicional tono del español que se habla en la ciudad de México (CDMX), fue de gran asombro y agrado para el público extranjero. Uno de los dibujos animados más emblemáticos de México, fue la célebre y muy conocida caricatura de Don gato y su pandilla (Top Cat), la cual es originaria de Estados Unidos y producida el año de 1961. Sin embargo en su país de origen tubo poco éxito, entonces fue cancelada después de 30 episodios. La serie sería emitida pocos años después en el resto de América y España, así como en el Reino Unido, sin embargo el país donde más éxito tubo fue en México. El éxito de la caricatura se debió a muchas razones de las cuales se destaca su singular doblaje, el cual estaba acompañado de voces del doblaje mexicano emblemáticas que pasarían a la historia. Varios de estos actores eran Julio Lucena, Víctor Alcocer, Armando Gutiérrez y Jorge Arvizu, siendo este último un símbolo destacable del doblaje mexicano, mejor conocido con su singular apodo del “Tata”. En los años 90 en México eran raros los personajes animados que no contaran con la voz de Jorge Arvizu, personajes famosos como Pedro Picapiedra, Bugs Bunny, Popeye, El Pájaro Loco, El Gato Félix y hasta Mr. Magoo entre otros. En Latinoamérica Don Gato tuvo un cálido recibimiento y aceptación, su doblaje la convirtió en un éxito y-
-actualmente es considerada un clásico entre las caricaturas mexicanas.
El «Manifiesto de las siete artes» de Ricciotto Canudo fue un ensayo lanzado en el año de 1911. Lo que nos explica este periodista italiano es la unión de los dos artes y sus cuatro complementarias en un círculo que se cierra en el cinematógrafo. El arte está en el movimiento.
Ricciotto Canudo 1911
“Finalmente, el «círculo en movimiento» de la estética se cierra hoy triunfalmente en esta fusión total de las artes que se llama «Cinematógrafo». Si tomamos a la elipsis como imagen perfecta de la vida, o sea, del movimiento — del movimiento de nuestra esfera achatada por los polos —, y la proyectamos sobre el plano horizontal del papel, el arte, todo el arte, aparece claramente ante nosotros.
Ricciotto Canudo (1911).
Lo que se puede leer de este ensayo es la manera tan precisa y armónica en la que todo encaja: La arquitectura nace de la necesidad humana de protegerse y esta es al espacio, así como la música es al tiempo, la organización de los ritmos que rigen la naturaleza.
Ricciotto Canudo (1911) habla con arte del arte, habla del “Olvido estético”; esto quiere decir, llegar a un disfrute de la vida superior a la vida misma, de una personalidad múltiple que cada uno puede crearse al margen y por encima de la propia.
Lo que se percibe con el ensayo de Canudo es entusiasmo ante uno de los grandes inventos del siglo XIX. Se siente como una carta de amor, algo paradójicamente poético. El texto invita a ver el cine -y a las otras artes- como entes que se entrelazan en nuestras vidas, algo que nos beneficia, que nos deja descubrir nuestros valores, carencias y virtudes: El cine como algo más allá del arte, algo con lo que se pueda trazar un camino ideológico, que pueda contestar esas preguntas que siempre se han querido contestar.
De 1911, se dará un enorme salto hacia el año 1997, en el que un autor, oriundo de Detroit, Michigan, Estados Unidos, exponía ideas fascinantes sobre el cine. A pesar de que Robert McKee escribió El guion story para, evidentemente, dar formas sobre cómo escribir un guion, este autor remarca una base para ver al cine como algo más que arte, entretenimiento o una industria.
Robert Mckee
De acuerdo con Mckee (2018, pp. 28) la humanidad siempre ha buscado responder la pregunta de Aristóteles (¿Cómo debería dirigir el ser humano su vida?) con las cuatro sabidurías: Filosofía, pero ¿Quién que no tenga que aprobar un examen lee a Marx o a Hegel?; Ciencia, pero actualmente este pilar dejó de ser aquel que daba explicaciones para tergiversar la vida con complejidad y perplejidad; Política, pero ¿Quién es capaz de escuchar a los sociólogos o políticos sin cinismo?; Religión, pero esta se ha vuelto un conjunto de rituales vacíos y que enmascara a la historia con hipocresía. Por consiguiente, al perder la fe en estas cuatro ideologías, el publico se dirige ante una última que todavía tiene credibilidad: El arte de contar historias.
Es evidente que en las historias que se cuentan en las películas, programas de televisión, contenido multimedia en la red, en los libros, incluso en los periódicos con las noticias diarias, encontramos sucesos con pautas, con un orden dentro del caos mismo, y con metáforas coherentes intimas para la vida. Esto, para el ser humano es benéfico, sacia sus ganas por conocer las respuestas de la vida, observa un camino lleno de formas y no de fórmulas que enriquece su intelecto y a la vez, su experiencia.
Esto podría leerse como pretencioso, incluso como algo ridículo, ¿Cómo es que pueda haber personas que rijan su vida ante un entretenimiento el cual tiene por detrás movimientos mercantiles e industriales? Pues, aunque las cuatro sabidurías que comenta Mckee también tienen procesos mercantiles e industriales por detrás (cada uno a su manera), es cierto que el cine tiene la virtud de entretener, pero ¿Eso tienen algo de malo? La palabra entretenimiento tiene siempre un concepto mal definido que siempre se transmite de persona a persona; el entretenimiento es aquel vocablo que entra en esa extensa lista de palabras que se entienden mal entre los participantes de la sociedad.
Por lo regular, entretenimiento siempre se relaciona con acciones o actividades que, en lugar de enriquecer los valores y capacidades cerebrales de un individuo, lo desdeñan, haciéndolo caer en situaciones ficticias triviales o banales. Es un estigma que se ha creado a lo largo del tiempo.
De acuerdo con Robert Mckee (2018, pp. 28) el entretenerse es sumergirse en la narración de una historia con el objetivo de alcanzar un nivel, tanto intelectual, como emocional satisfactorio. Y cuando hablamos de películas, el entretenerse implica iniciar un ritual: Mantenerse en frente de una pantalla (dentro de un salón a obscuras) con total atención a la historia que se está contando, a su vez dándole significado al guion y durante este proceso, experimentar el ascenso de emociones intensas, dolorosas y satisfactorias, profundizando aun más en ese significado y así hasta el final de todo este viaje de emociones, que resultará satisfactorio.
Para los creadores y artistas el objetivo tiene que ser entregar obras cargadas de significado afectivo. Decir que en el cine las obras de ficción están ahí para que el ser humano, o la sociedad escapen de “esta cruel realidad” es un error, es un abandono cobarde de la responsabilidad que tienen los mencionados artistas.
“Las historias no son una huida de la realidad, sino que son un vehículo que nos trasporta en nuestra búsqueda de la realidad, nuestro mejor aliado para dar sentido a la anarquía de la existencia.”
5 PUNTOS IMPORTANTES PARA EMPEZAR A ESCRIBIR UN GUIÓN.
8 situaciones a considerar para la construcción de un guión. Estas forman como una parte introductoria, para contextualizar a las personas que quieran empezar a redactar para el cine. Sin embargo, tenemos que tener en cuenta que para escribir un guión se necesita mucho más conocimiento.
7 samurais
Los que queremos dedicar nuestra vida a hacer cine más de una ocasión hemos dicho una frase (o alguna variante de ella):
Quentin Tarantino
"Por el momento tengo tiempo libre... he visto muchas películas, algunas buenas, otras malas... Tarantino y Robert Rodriguez iniciaron desde lo más bajo haciendo cine, sin nada más que su talento... creo que me juntaré con mis amigos y les hablaré de una historia que quiero hacer en cortometraje... hay un concurso de cortometrajes, así que..."
Y bueno, después de esto terminamos haciendo algo sin pies ni cabeza. Llamando inferior a todo aquel que no «entienda nuestro arte». Concluimos mostrando un trabajo con notables carencias, no obstante, nosotros queremos ser el próximo Ingmar Bergman o David Lynch por que nosotros hacemos «cine experimental, más allá del entendimiento humano actual»…
Así como lo decía Riccioto Canudo, el cine es la unión armónica de todas las artes, y si ponemos a trabajar nuestro sentido común, el plan de trabajo para el séptimo empieza con la hoja de papel y con un lápiz (bueno, actualmente con un archivo de word).
David Lynch
Por lo regular, cuando queremos hacer un cortometraje, solo escribimos una sinopsis o una escaleta y ¡Listo! Las tomas irán saliendo cuando estemos en el «set», porque «nosotros somos talentos incomprendidos, diamantes en bruto»
Bueno, al menos de que sigas con esos pensamientos de que los grandes cineastas fueron (o son) activistas contra-sistemas, que durante su camino se guiaron con su propia «intuición» y «talento», con mucho gusto puedes cerrar esta pestaña de tu navegador. Pero en cambio, si estas consciente de tus habilidades y carencias, y estás deseoso de aprender, aquí están 5 PUNTOS IMPORTANTES PARA EMPEZAR A ESCRIBIR UN GUIÓN. De lo dicho por Robert Mckee en su obra: El guion, aquí mostramos la información sintetizada. No obstante, recomendamos profundizar en esta obra y en otras más.
1.- El guión propone principios, no normas.
Dark Knight
Sencillo: Las normas dicen qué se debe hacer y de qué manera. Mientras que los principios dicen qué es lo que puede funcionar y desde cuándo ha funcionado.
«Nuestro trabajo no debe de seguir el modelo de una obra bien hecha, sino que debe estar bien hecho según establecen los principios que conforman nuestro arte… Los artistas son los maestros de la forma»
Robert Mckee ,1997
2.- El guión propone formas eternas y universales, no fórmulas.
Requiem for a dream
A pesar de las tendencias, al analizar toda la cinematografía de Hollywood, descubrimos una sorprendente variedad de diseños narrativos. Pero ningún prototipo.
El guión nos anima a crear obras que entusiasmen al publico de los cinco continentes y que se mantengan vivas durante decenios.
«Lo que hace falta es volver a descubrir las directrices buscas de nuestro arte, los principios conductores que dan rienda suelta al talento»
Robert Mckee ,1997
3.- El guión propone arquetipos, y no estereotipos.
Saving private Ryan
Las historias arquetípicas desvelan experiencias humanas universales. Crea entornos y personajes tan poco habituales que nuestra mirada se deleita con cada detalle, muestras la narración revela conflictos tan humanos que viajan de cultura en cultura.
Mientras que las estereotipadas hacen justamente lo contrario. Carece tanto de contenido como de forma, se reducen a una experiencia limitada de una cultura especifica disfrazada de generalidades rancias y difusas.
Entonces, nosotros buscamos la presentación de; ya sea una historia con un arquetipo innovador, o una dentro de un arquetipo ya existente, pero llevada de otra manera. Las formas son demasiadas.
«…La creación de películas que tengan un poder y una belleza arquetipos y que genere en el mundo ese doble placer.»
Robert Mckee ,1997
1917
4.- El guión propone minuciosidad, no atajos.
El cine es el arte en movimiento dentro del tiempo, por ende se tiene que pensar en estrategias para contar lo necesario con detalle, dentro de un tiempo correcto; en lugar de contar todo un suceso con escenas huecas, desperdiciando el valioso tiempo.
«Los guionistas aprenden que la clave está en economizar, que la brevedad cuesta tiempo, que la excelencia es sinónimo de perseverancia»
Robert Mckee ,1997
5.- El guion propone realidades, no los misterios de escribir.
No existe ninguna conspiración para mantener en secreto las verdades de nuestro arte. Si un guionista no consigue conmovernos con la pureza de una escena dramatizada, tampoco podrá ocultarse tras las palabras, como hacen los novelistas con la voz del narrador y los dramaturgos con sus soliloquios .
No podrá tapar con una capa de lenguaje explicativo o emocional los agujeros de la lógica de su trama, de una motivación poco clara o de una emoción sin tonalidades y le resultará imposible siquiera decirnos qué pensar o qué sentir.
«…Cuanto más nos acercamos al centro, trabajando de escena a escena para que la historia funcione, la labor se complica paulatinamente, y nos damos cuenta de que en la pantalla no hay ningún lugar donde esconderse.»
EL TABLOIDE 